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“亚慱体育APP在线下载”西欧少儿钢琴教学法(1)

  • 产品时间:2022-09-01 02:43
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简要描述:孙鹏杰教学理念在刚开始从事教学的那几年,我充满自信地认为我的老师们教给我的知识都是正确的(通过时间磨练也简直如此),而这些知识能够让我顺利地学习新作品,而且演奏得让人信服(事实上多几多少也是这样的)。然而,看着眼前这一团肉肉的还流着鼻涕的“熊孩子”,让我从某种水平上意识到,这一切都不重要。我逐渐开始关注该如何把这些小家伙从“钢琴白丁”酿成一位真正懂音乐的琴童呢?我回忆了小我私家的启蒙阶段,却发现如此重要的第一步早就被遗忘了,当年的我也是一个没意识的“熊孩子”。...

详细介绍
本文摘要:孙鹏杰教学理念在刚开始从事教学的那几年,我充满自信地认为我的老师们教给我的知识都是正确的(通过时间磨练也简直如此),而这些知识能够让我顺利地学习新作品,而且演奏得让人信服(事实上多几多少也是这样的)。然而,看着眼前这一团肉肉的还流着鼻涕的“熊孩子”,让我从某种水平上意识到,这一切都不重要。我逐渐开始关注该如何把这些小家伙从“钢琴白丁”酿成一位真正懂音乐的琴童呢?我回忆了小我私家的启蒙阶段,却发现如此重要的第一步早就被遗忘了,当年的我也是一个没意识的“熊孩子”。

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孙鹏杰教学理念在刚开始从事教学的那几年,我充满自信地认为我的老师们教给我的知识都是正确的(通过时间磨练也简直如此),而这些知识能够让我顺利地学习新作品,而且演奏得让人信服(事实上多几多少也是这样的)。然而,看着眼前这一团肉肉的还流着鼻涕的“熊孩子”,让我从某种水平上意识到,这一切都不重要。我逐渐开始关注该如何把这些小家伙从“钢琴白丁”酿成一位真正懂音乐的琴童呢?我回忆了小我私家的启蒙阶段,却发现如此重要的第一步早就被遗忘了,当年的我也是一个没意识的“熊孩子”。而且我也发现,许多大学开设“钢琴教学法”这门课,学到的教学理论其实并不能完全运用到现实教学中。

于是,我开始在如何有效地教孩子这一领域举行思考和研究。起初,我的目的很明确我的目的很明确在学生应有的水平上,教会他们弹好作品。

我很快就到达了自己的目的,但又总以为还是缺少了什么重要的工具,尤其是在每一次学生开始学习一首新作品时,总会让我感受一切又从零开始了,只管许多音乐知识已经在前面的学习中讲过了,甚至有些理念才刚刚学完,但学生还是不能闻一知十地运用。面临如此令人绝望而又不停上演的“剧情”,我开始把关注点从“让学生弹好”这个低级目的调整到了更高的追求。

我开始思考,当一名钢琴老师到底意味着什么?当一名老师究竟意味着什么?教学的终极目的到底是什么?追念起我在大学文科学院修的种种科目,以上的谜底似乎是:让学生无师自通。在没有老师的引导下,学生就能做好的那一天,就是老师乐成的日子,学生独立的那一天来得越早,老师就越乐成。带着这个新的目的,我开始研究一个完全纷歧样的教学方法,教学中我时刻围绕着造就学生如何自立,尤其是养成批判式的独立思维能力。

这种独立思考和学习的能力是西方教育中一个很是重要的宗旨。所以几年前当有人请我开展一个系统深入的关于幼儿钢琴教学的系列讲座时,我把这个十小时的讲座命名为“西欧少儿钢琴教学法”。我还记恰当年为了制作这个讲座的PPT,我归纳、总结了以前许多的教学习惯,而在几百页幻灯片中,首当其冲的是这一页——“到底什么能让孩子在学琴生涯中到达独立?”虽然这个问题看上去挺庞大的,但其实学生在钢琴上到达独立只需要具备四个要素。

首先,学生必须能够没有技术阻碍地“操作”钢琴,也就是说弹奏技术要自然,要能驾驭奏琴中的种种技术难点。固然在儿童时期,学生并不需要百分之百明确自己每一个行动的原理,因为“幸福地无意识”才是童年的乐感泉源,可是当学生成年以后,必须全面相识自己的一切技术是怎么运作的,否则他将无法过渡到成熟的艺术家阶段。那么“知道一切技术是怎么运作的”意味着什么?简而言之,即明确身体跟奏琴该如何协调配合,肢体要怎么动才气让钢琴发出想要的声音。固然看上去很简朴的一句话其实蕴藏着许多寄义:外貌上技术是速度、气力和准确度等,但这些背后都需要自然性、持久性和多样性。

关于这部门内容,后文再展开讨论。众所周知,技术是要服务于音乐的,而就算拥有了一双“黄金手”,如何用音乐思想去指导这双手就是下个问题了。这是一个庞大又简朴的话题。

意大利钢琴家米开朗基利曾经说过:“一切信息都在曲谱上,只要你知道如何读。”曲谱就是所有音乐思想的起点。

起初,我们固然会把注意力放在最基本的内容上,好比读五线谱、数拍子以及读懂谱面上最基本的标志,如强弱和连断等。但当我们更进一步思考,我们会对曲谱的标志有更深一层的认识。好比曲谱中的一个小连线,作曲家要用这个小连线告诉我们什么呢?从外貌上看,他告诉我们要连贯地弹奏,可是随后我们会知道,这个小连线的寄义远不止一个简朴的运音法。

作曲家同时还告诉我们,这个小连线下包罗的一组音是一小乐句,而这个小乐句包罗了开头、走向生长和末端。为了确定这个乐句的走向,我们还必须联系上下文分析这一句的前面和后面在“说”什么,跟这一句的关系是什么,从而保证音乐的一连性。说到这里你以为我说完了吗?还没有!除了上下文和当下的这个乐句,我们还需要把无数乐句综合起来形成一个段落,而这些段落最后也会再次有逻辑地组合起来,酿成一首完整的作品。所以千万别小看这一个小连线,它其中隐藏着庞大的寄义。

音乐中的每一个小记号背后都蕴藏着无限富厚的意义,而且差别的作曲家(甚至同一个作曲家在差别时期)都有自己的奇特记谱法,所以贝多芬和肖邦的重音记号弹奏法是完全差别的!关于差别作曲家这个话题,我们除了读懂了无数的标志,还需要通过音乐的基本元素(节奏、旋律、和声、对位和结构)来学习作品分析,这样才气真正地通往艺术巅峰。大师的演奏魔力主要来自于他们的音乐思想,三言两语也解释不清,但为了简化,我选择用一个成语来表达——人如其食。你在音乐中怎么“养活”自己,你就是什么样的音乐家。

对我来说,读谱是青少年音乐教育中最重要的一项内容,因此课本的选择也变得一样重要!说到这里,你可能会想:“既然读谱和课本那么重要,为什么孙老师先提技巧训练,然后再提音乐思想呢?”因为培育音乐思想是一个漫长的历程,它是通过一个恒久的、循序渐进的曲目量积累逐步到达的。小孩儿不也是先学步了,再开始逐步认识这个大千世界吗?音乐思想让我们的音乐拥有一个完整的画面后,技巧就能让我们的音乐画面实现,可是仅实现一首作品是不够的,因此就有了关于产量的问题了。就像普及教育要求学生大量阅读一样,一个完整的音乐学习历程也需要大量浏览音乐作品,这个历程是要陪同一生的,固然从小就能先打好厚实的基础是最好的。

快速地学习种种音乐作品,而且一学就掌握得很是牢靠是一种重要的能力,许多职业演奏家单凭这一种能力就能在事业上很是有成就,哪怕他们的演奏并没有太多深度!而且,只要是经常演出的钢琴家,肯定都有过必须在几天内马上完成某部大作品的“凄惨”履历,而且现在还能在世告诉你他们“自虐”的故事。那么我们把这种快速学习和牢靠掌握的技术叫什么呢?固然就是叫练琴呀!有效率的练琴本质上就是精神、时间和质量权衡三者的历程,即怎么样能在最短的时间能保证最有质量的训练而且泯灭最少的能量。

这自己就是一种技巧,需要花许多年去调整,逐渐掌握然后再调整。换做以前,文章到这里可能就竣事了,可是近几年我越来越重视一些看似跟音乐没有直接关系的问题,可是这些内容都市最终影响到学生的音乐和人生。正如老话所说,先会做人,再会奏琴。

换句话说,学生要成为一个真正的、独立的音乐家,就必须先学会如何独立地做人,这是知易行难的!这里就涉及儿童行为心理学领域,尤其一个关于脑科学的研究领域叫作“执行力”,“执行力”就是执行世界上任何一件事情的能力,好比写一篇文章、学一首曲子或者做一桌子佳肴(顺便提一下,以上这三样我都擅长)。执行力的造就在童年时期是很是重要的,以至于现在的我宁肯牺牲学生的一些音乐成就,就为了教他们如何治理计划自己的人生。究竟,哪怕孩子赢得了世界上所有的奖项,可是他却不明白处置惩罚和掌控自己的人生,那另有什么幸福可言?我一直承袭一个理念——授之以鱼不如授之以渔。

在我的教学中,纵然是最智慧的学生,也至少需要花一年多的时间才气开始独立起来,而对于大部门学生来说,这个调整周期需要两到五年。固然,在漫长的学习生涯中,花两年去真正地学好某样工具似乎不算什么,而且也肯定比毫无目的地学习几年后中途而废、落得一场空要强。另外,学生掌握了这个独立学习的基本技术以后,我发现他们的学习就很容易融会领悟,而且上课时可以展开种种各样的话题,我有时候真的以为我跟学生之间就像两个成年人在对话,纵然劈面坐着的不外是一位八九岁的小孩儿……关于钢琴技术就像一只史前昆虫无意中爬进树梢一样,艺术能把思想、情感、形象、故事,甚至是哲学都封装、定格、冻结。

当我们在听一首贝多芬弦乐四重奏或者德彪西前奏曲时,我们就在让那只甜睡于琥珀里千万年的昆虫复生,让我们纵然在今世也能重新体验它的存在。可是如你所想,复生可不是简朴的壮举,作为音乐家,我们需要智慧去还原曲谱和灵魂,去赐予它生命。然而无论我们的智慧和灵魂有何等细腻和富厚,它们都只存在于我们心田。我们还需要通过一个外部前言—身体,把内在的艺术形象“投影”到外部。

这个从内到外的历程就是技术。如果有人问我:“艺术形象和技术哪个更重要?”那么我会回覆:“好愚蠢的问题呀!”可是如果有人问我:“对于初学者来说,艺术修养和技术训练应该先重视哪样?”那么这个问题就如同“先有鸡还是先有蛋”的问题一样有趣。以我自己的教学履历,我会尽早去启发学生的艺术修养,可是不管我多早开始,都需要先给学生一些技术和读谱方面的小提示(不外这个阶段关注更多的还是关于读谱方面的问题,这个我们会在未来讨论)。所以在起步阶段,建设一些简朴的技术规则是不行回避的,然而有趣的是,当我们进入到高级水平的演奏时,情况会完全相反,技术最终总是被艺术修养“带着走”甚至“拖着走”。

那么,回到初始阶段,这些简朴的技术规则是什么呢?对于我来说,这个阶段只需要强调两个观点—用指尖和用手腕。为什么只有这两样?要解释这个问题,需要对钢琴技术有进一步的探讨。

首先从钢琴技术的界说开始讨论。最简朴的表述就是“技术是实现艺术形象的能力”。

啊,如果生活就是如此简朴的一句话该多好!或许更简朴粗暴的解释应该为:技术就是弹奏技术有多快、多强和多准,以及音色变化有多富厚。这是一个很详细的界说,但这只是给我们定了目的,至于怎么能到达这个目的却并没有太多资助。然而,当我们看向88个琴键,再低头看着可怜的十根手指,开始相识钢琴之所以难,是因为它需要我们在种种把位下协调双手了以及通过手臂和手腕在差别把位之间巧妙地转换。

手和手指、手臂和手腕......突然心里逐渐变得清晰了:技术就是如何正确地明白钢琴与身体的相互作用,从指尖,到第一、第二、第三枢纽,再得手掌、手腕、前臂、手肘、上臂、肩膀、躯干,上至颈部和头、下至臀部、腿、脚和脚趾。对技术的掌握就是对动或静的掌握。所以什么行动是真正有用的,而且该如何训练它们呢?当我刚开始在全国各地开展教学讲座的时候,我经常被问到两个问题“怎么去训练一个正确的手形”?和“如何制止手指第一枢纽塌下来”?坦白说,刚开始被问到的时候我都有点儿懵,因为我自己的教学中从来没遇到这两个问题。

可是进一步反思,这些问题也就解释了我在各地大师班上经常遇到的一个现实的问题—一种僵硬的、牢牢“握住”想象中的球的手形,让手看上去像是“专业的手形”,手指僵硬以防第一枢纽塌下去,可是这个价格就是“僵尸”一般的手。其实,在真正高级此外演奏中基础不存在手形这个观点,而在初学阶段真正的手形是从内到外通过几个月的造就逐步建设起来的。

正如我前面提到的一样,对于初学者我只强调两点:用指尖和用手腕。用指尖奏琴意味着贴着键用指尖触键,这简朴地震作就会确保第一个枢纽不会榻,同时触键时摁住甚至抠住琴键,就像按电梯楼层一样,这种指尖上的压力会发生一种向上力,使得后面一排三枢纽凸出来,形成一个牢靠的拱形。

而用手腕意味着它与手和手臂组成一个复式三级杠杆,以手腕上下地发力,通过指尖传送能量至琴键。此外手腕轻轻地向下会辅助拱形的形成,也有助于弹出一个柔和且丰满的音色。当学生通过这种弹奏法形成了一个放松的手形(通常与读谱的基本能力同步举行),就可以开始引入高抬指训练,甚至(虽然我不用)开始用手腕做吊臂的训练,可是注意别吊得太高。

这种手腕和手指理论的泉源其实是钢琴家李斯特,他经常会让学生做以下训练去感受手指和手腕的关联(见例1)。例1五个键将通过手腕同时按下,而且有意识地感受每个指尖的支撑力。敏感的学生也会自然地感受到“抬”手腕如吸气,以及“落”手腕如呼气的内在联系,就像唱歌一样。

而与唱歌差别的是,奏琴在吸气的时候也可以发作声音,就像李斯特为我们展示的下一个训练一样(见例2)。例2这一次“抬”手腕弹2、3、4指同时也在为下一组1、5指做准备。

这个“落—提”行动是钢琴演奏的焦点行动之一,用于任何一个两音小连线一样(见例3)。例3正如我们所看到的一样,在连线的尾部提起手腕,有助于乐句收尾的同时,有效地为下一个小乐句做准备。

这种方法也可以被延申到更长的乐句中(见例4)。例4李斯特指出这些训练要先分手训练然后再合手训练,而且在此基础上完成24个巨细调的训练。在我自己的教学中,对李斯特的手腕训练举行了很大水平的调整,可是我在本文出现他的原始想法,是为了留空间让你们在这个基础上探索适合自己教学的训练方法。

手腕有了系统的训练之后,最终会让学生建设起牢靠、放松,又适合自己的手形,而且还能弹出富有体现力的音色,到达这点一般需要三至六个月的时间。随后我就会开始手指的训练,也就是传统的高抬指方法,依次抬起弹下每一个手指。

关于“高抬指”这个有争议的话题,我必须要强调三点:1.没有须要把手指抬得特别高;2.训练手指的时候我们要让手腕时刻保持放松状态;3.这只是一种阶段性的训练方法而不是演奏法。当学生已经有效地控制自己的手指后,我们最后会转向演奏法的抬指,也就是所有的手指,除了下键的那根以外,其余的都悬在空中。完成这部门训练后,学生就已经能在一个牢固把位上舒适地举行控制,接下来就可以进入下一个话题—把位的转移。关于把位的转移,没有比音阶、琶音另有和弦更好的课本了。

学生应该先掌握好音阶,然后再到琶音,最后才是和弦,而且要确保24个巨细调都完整训练。如果上述的所有手腕和手指训练都勤奋地练好了,你会发现音阶和琶音一点儿都不难。先从慢速、分手开始训练,然后在确保平均弹奏之下逐渐加速。

要特别注意,即将弹奏的黑键应提前准备好,而且实时收1指或跨越3、4指。关于收1指的问题,我建议学生弹2指时就同时收1指,因为在快速弹奏音阶这个行动需要做得很快,而学生需要习惯这种感受。一旦音阶被牢靠地掌握以后,琶音也会自然地掌握,它就像一个更“宽”的音阶再加上一点儿手腕及手肘的横向行动,当琶音训练完成以后,和弦弹奏也就顺理成章了。

当以上所有训练都完成以后(一般半年至一年可以完成这套训练),学生会发现他们在键盘上“行驶”得很是舒服。对于许多学生来说,速度、气力和富厚的触键只是时间和耐心的问题。虽然这些训练看上去很枯燥,但其实只需要在前半年中天天花20至40分钟左右,在这之后天天花15至20分钟就足以保持住这个灵活的技术了;此外,细致地做好这些焦点训练,可以淘汰弹奏无数枯燥的训练曲,也可以省下更多时间去弹更具有音乐性的作品。课本与艺术形象“总有一天你会明确的……”前辈高人说的这番话会由时间为它作鉴证。

这样的例子从无数文学和影视作品中就可见一斑,好比哲学界的苏格拉底、武侠小说中的风清扬、“哈利·波特”系列里的邓布利多等。我想大部门读者也有过这样的履历,在人生中的某个时刻突然顿悟多年以前老师曾经说过的某句话。那么在已往的时间里到底发生了什么使得我们突然明确了呢?在上一篇的文章中,我们讨论过如何建设自然又可靠的技术基础,没有它奏琴就没有了一切可能。

可是技术仅仅只是体现艺术形象的渠道,没有清晰的艺术形象,技术就像无源之水了。对于钢琴演奏来说,这个清晰的形象就是曲谱——它首先有节奏和音符的最基本要求;然后是与情感表达有关的力度和速度要求;最后再到音色变化和节奏伸缩的细致入微的处置惩罚要求。学生心中的艺术形象从无到有,也会依次经由此历程,但这个发展需要时间。现在问题来了:如果学生的手指已经能动起来,但他尚未建设好一个基本的艺术形象,这课该怎么上?其实大多数学生都处在这种“半道儿上”的状态,而多数老师的方法就是把自己的艺术形象贯注给学生,但这就是“陷阱”所在,因为“贯注”和“栽培”艺术形象是截然差别的两种方式!我刚开始教学的时候,就遇到了许多年轻老师都有过的状况,就是不管什么水平的学生、在弹奏什么水平的曲目,似乎我们都只是很外貌地教他们曲谱上每个详细的音或乐句要怎么弹,让学生逐步学起来,直到数周或数月之后,他们逐渐到达尺度,然后又开始部署下一首曲子,再把上述历程再重复一次。

我想大多数人都教过和上过类似这样的钢琴课:“这个音要高声一点儿,再小声一点儿。差池!又太轻了、又太强了、太弱了、太短了、太长了、太早了、太晚了……啊!恰好!对了!”以上的这个历程就是贯注艺术形象。

乐曲该是什么效果对于老师来说是很清晰的,所以老师只需要把他所明白的每一个音符“喂”给学生。这种教学方法一开始会收效较快,因为这就有点儿像把学生裹上一层比力漂亮的包装纸,可是其实漂亮的丝带和包装纸内里却是一个空盒子。固然,我们也可以花时间去解释为何这样处置惩罚的原因,但这样做有可能仅一个乐句就要花上一小时去解说,于是我们经常只会告诉学生该怎么做,希望过一段时间他们会自己明白外貌处置惩罚的内在原理。

这种让我困惑的教学模式连续到直到有一天,我开始思考自己是怎么明确我所明白的一切?回到刚刚前辈高人的话题,是的,时间是很好的老师,但准确来说,一段时间的周期内还是发生了某些事情,否则为什么有些人不管过了多长时间依然无知,而有些人不是,有些人有知识的积累、有人生的履历。最近,我经常追念起大学时修的两门人文学课程——希腊文学和政治哲学。

两位教授都特别严格,他们部署的作业,无论是阅读质料、讨论的问题还是论文等要求都极为严苛。虽然我在日后的大学时光有感恩所学到的严谨的写作本事,但直到二十多年后的今天,当我每周开始写专栏时才名顿开,其实,自我实践才是点燃知识积累的引火线。作为老师我们该如何应用到教学中呢?如果不停重复应用知识能提高明白水平和智慧的话,那么我们的目的就变得很明确了——为学生梳理钢琴演奏的焦点知识点,然后为他们提供大量重复磨炼的时机,使他们最终建设起自己的艺术形象。

虽然“梳理钢琴演奏的焦点知识点”听上去像是探测太平洋的水流一样难,但实际上这并不庞大。首要的技术是听辨、思考和弹奏复调音乐。简朴来说,我们演奏中需要同时兼顾许多工具,所以学生要尽早习惯在音乐的大局中分辨多个独立“轨道”(声部)而不是弹成“一锅粥”。这是建设艺术形象的首要因素,而通常我们会通过巴赫的复调作品来训练。

对于孩子来说,我建议从《巴赫低级钢琴曲集》开始,然后是《二部创意曲集》,再到《三部创意曲集》,最后到《平均律钢琴曲集》。虽然说《巴赫低级钢琴曲集》里的作品并不全是巴赫创作的作品,可是这套课本的曲子很是好听,复调因素比力少,舞蹈因素比力多。这样,孩子们对“音乐之父”先入为主的开端印象是轻松愉悦的。一般在教学中,我会先强调如何用手腕分句以及一些简朴的运音法,但总的来说我不会在任何一首花过多时间去讲细节,能一首一首完整地弹下来即可。

《巴赫低级钢琴曲集》可以按顺序学习,可是《二部创意曲集》、《三部创意曲集》和《平均律钢琴曲集》却不行以!对于《二部创意曲集》,我建议先因人而异地从d小调、F大调、a小调或者C大调开始。在这个阶段,学生要开始磨炼两只手能够独立地弹奏两个差别的线条,而且可以任意凭据音乐的需求去调整左右手之间的音量平衡,这样就掌握了二道式的复调思维。

在《三部创意曲集》中,我们加入了第三个独立的轨道,而且为古典和浪漫时期的典型三道式主调音乐(旋律、低音和和声)打下了坚实的基础,因为复调音乐和主调音乐虽然在理论上有很大的区别,可是从实际的演奏角度来说,所有钢琴作品(除了某些极简抽象音乐以外)都需要复调思维。三部创意曲多了一个声部,但依然只有两只手,于是其中一只手就要卖力演奏两个声部,而在这方面《E大调三部创意曲》的要求最简朴了,绝无其他选择!在最开始,我们只需要注意学生要通过正确的指法去协调哪些音符,哪些要保持,哪些要松开。弹好E大调之后就可以部署A大调或b小调创意曲,然后就可以进入比力庞大的三部创意曲了,可是请把f小调、d小和谐g小调的创意曲留到最后。

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在重复地训练保持和松开的历程中,学生自然会开始听见三个差别独立的声部,而这时,老师可以逐渐去解说声部之间的交流。在完成了《三部创意曲集》之后,学生可以开始学习第一册的《平均律钢琴曲集》,建议从c小调、D大调、d小调、F大调或降B大调开始。有趣的是,虽然训练二道式和三道式思维都有难度,可是如果创意曲的基础打好了,过渡到《小前奏曲与赋格曲》就很轻松了。

大部门情况下,学生会享受情感富厚的前奏曲和念头生长有趣的赋格。第二个焦点知识点是音乐体现。我喜欢一举两得地用富有音乐体现的训练曲来磨炼学生,所以很少选用纯技巧性的训练曲,取而代之的是用布格缪勒、海勒和克拉莫的作品,尤其是海勒的作品47和作品46。

但这并不代表我不看重技巧的训练,而是我认为音阶、琶音及和弦已经是最好的技巧训练课本了,我还是越发倾向于学生享受他们的“劳动结果”,弹奏更有艺术营养的训练曲。就像《巴赫低级钢琴曲集》一样,这些训练曲的篇幅都不大,也可以按顺序部署。较短的篇幅和循序渐进的难度使学生可以通过课本逐步提高明白和演奏能力。

虽然这些训练曲的音乐性比力强,可是它们还是保持了训练曲的重要特征,即一首曲子只强调一到两个与技巧和记谱法精密联合的演奏法,于是老师在课堂上可以大致讲一两个原理,而学生回家后可以闻一知十地执行种种例子,以便造就细致的读谱能力。最后一个知识点是乐曲结构的明白。

关于这一点,古典时期的小奏鸣曲显然是最合适的课本了。请谨记小奏鸣曲要学整套,而且要在慢乐章中下更多功夫,因为这个乐章才气真正磨练一小我私家的音乐素养。一旦学生对这种气势派头的音乐有了开端的认识(一般弹了一两套之后),就应该开始解说奏鸣曲式和每个部门之间的生长了。通过学习结构,学生们会逐渐扩张他能掌握的曲子规模。

最终,学生具有了却构所带来的大框架、复调思维的多轨道掌控力,以及富厚和独到的音乐体现力。文章看到这里,你一定会好奇需要花几多时间才气完成上述的学习。总体来说,我的学生一般需要花一至三年的时间去完成以上的事情,而且并不需要一天从早到晚地关在琴房里训练。

这么看,“栽培”并不比“贯注”的教学法慢,只不外“栽培”的起步阶段是教学中最需要耐心的。可是我始终认为,无论学生的天赋如何,大量的渐进小曲目可以资助学生在短时间内不停实践焦点知识、建设起自己的艺术形象,为未来的专业曲目做准备。很显然,要做到这点还需要两个重要前提:首先,学生必须已经打幸亏上一篇文章中所提到的技巧基础。

其次,学生需要知道如何高效率地练琴。高效练琴在之前的连载文章中,我们已经讨论了如何自然、舒适并扎实地掌握钢琴技巧,以及如何因材施教造就和提升学生的读谱和音乐明白能力。有了这些基础,学生就可以学习新曲子和实现曲谱中的要求了。可是如果要成为独立的小演奏者,仅仅做到以上两点还不够,还需要一个重要因素使我们能事半功倍地完成任务—这就是高效练琴。

如果你曾经遇到过这样的疑惑:拿到一首新作品该怎么做?为什么苦练了一天的结果,第二天全部都消失了,又要重新再练?为什么在课堂上或舞台上的演出总是比在琴房里弹奏的差许多?当手上有许多曲目时应该从何练起?练琴时要如何保持专注?请接着往下看,或许能将你心中的“问号”转酿成对你有所资助的“叹息号”!一、学习新曲子的流程高效练琴往往与“先思考、后执行”分不开。在学习新曲子的时候,连忙着急地“笃志苦干”,犹如接触时还没分析军情就盲目作战,最后子弹都耗尽了,敌人还匿伏得好好的。因此,拿到新曲谱的第一步,我们应该先以自己能接受的速度视奏一次,并在弹的历程中注意难点部门,对“全局”有了观点以后,我们需要将曲子分段、编指法。分段时,我们除了凭据曲式划分以外,还可以凭据实际情况分出更多的小乐段,将“攻克目的”缩小往往能更有效地强化训练。

而编指法,这是一定不能忽略的重要环节,科学和正确的指法是乐成演奏必不行少的一环。编好指法以后第三步是大略地分手、合手弹奏,这个历程是为了调整前面标注的指法及协调两只手的弹奏。在训练的历程中,换指法是很自然的一件事,固然随着水平的提升,换指法的机率会越来越少。

同时,如果你已经训练了某乐句一段时间然而一直没有突破,那么只有三个可能性:1.你的指法有问题;2.你的基本功有问题;3.曲子存在极其难题的技术要求。接下来的第四步是“精雕细刻”的历程,先分段、分手训练,再分段合手训练,将曲谱中的音符、节奏、力度、速度等基本要素一一攻克。学好一段再学下一段,最终将全曲连起来。可是这并不是最后一步,当弹奏全曲的时候往往有些难点依然存在,或者会泛起新的难点,这个时候我们需要在“卡壳”的地方重新拆分,分手分析、解决问题,练好后再合手演奏。

另外训练的顺序也不是一成稳定的,可以先抽出难点段落举行选择性训练,也可以从后往前倒着练,让每一段都始终保持新鲜感。打破牢固顺序的练琴方式除了在学习新曲子时有用,同时也适用于日后的背谱,这个话题我们留着以后再展开讨论。二、科学练琴读到这里,可能有些读者会想:“我就是根据这个顺序训练的,可是为什么连起来演奏的时候还是有问题?明显今天练好的工具,怎么在第二天又一下被打回‘原形’了呢?”而且你是否有过这样的履历—自己练的时候都弹得挺好,可是一到紧张的场所,好比在课堂弹给老师听,或者上台演出时,水平就大打折扣了呢?这就告诉我们,除了按顺序将新乐曲的元素“组装”起来,我们还需要科学练琴,使得我们每个步骤都练得扎实、准确,练得手上功夫不会因为任何因素改变的时候就不怕了。而要做到这点,我们需要一位焦点的指挥,它可以辅佐指渡过新曲子的“磨合期”,从而顺利地“跑起来”,而且还可以在跑动中不停变速,在任何速度下都能“跑”清楚。

这个焦点的指挥即是—节奏器。那么要如何用好这位“指挥”呢?听节奏器的原则是“慢—中—快”,中速和慢速占比最多。在定好的速度上重复训练,直到已经掌握以后再调至下一个颇有刺激感的速度。节奏器的速度是凭据练琴状况不停调治的,其最终目的是在演奏速度中将每个细节弹准确。

固然节奏器只是焦点要素,但它并不是万能的。另有一些针对技巧的练琴小窍门可以资助我们攻克难点。

好比我们可以通过“三、四、六”节奏变化的方式,将有大量三连音、四连音或六连音的部门拆分,在第一音稍停顿,或者在第二音、第三音等处停顿,将长组合分开成小组合。此外,还可以用“五、七”重音组合,好比,在乐段中有许多四连音或六连音的组合,手指容易“滚”或“打架”的时候,可以在每五个音或每七个音的音头上加重音,让“打结”的手指通太过组训练理顺。打破原有组合方式的练琴方法,焦点理念都是把问题平衡地挖出来,并加以强化。

这就好比在生产线上的产物,如果每道工序都能严格把控,准确丈量,那么最终生产出来的产物优良率能不高吗?三、分段治理我在广州星海音乐学院附中,经常听见学生因为曲目太多、太长,练琴时间不够而向老师求饶的声音。对于我的学生,我表现很是差别情。可是对于感同身受的你,我还是同情的。

我们每小我私家都生活在一个网状世界,练琴不是我们的唯一,因此分段治理式的练琴方法无论对于琴童还是职业演奏家来说,都是受用终身的方法。首先面临需要训练多部音乐作品的时候,我们要对自己的实力有清晰的认识,相识自己的识谱速度、技巧水平、加速能力,从而预估出每一首曲子或许需要花多长时间可以到达演奏的水平。预估出每首曲子的学习时长以后,便可以开始铺排学乐曲的顺序,而这个顺序可是潜伏玄机啊!下面让我们一起来做个推理。

假设现在需要学习三首曲子,学习耗时为一首一周,一首两周,一首三周。那么你会如何摆设这三首新曲子的学习顺序呢?是按顺序从易到难一首一首举行吗?别着急给谜底,让我们来看以下示例图。假设红色代表预计一周能学好的乐曲,蓝色代表两周,绿色代表三周。

那么如果按顺序学习我们需要1+2+3,花六周时间学完三首曲子。可是,如果我们能同时学习红、蓝乐曲,最后学绿色,则能节约一周时间。而如果同步学习红色和蓝色曲子,学完红色继续学绿色需用四周时间。

固然一目了然的明智的第四方案往往是学生制止的方案,因为人们一般喜欢从最简朴的任务下手。除了横向的合理排序之外,我们还可以纵向拓展到同时练三首甚至四首曲子,而这种技术一旦熟练掌握,就可以通过合理分配组合,最后学习两首“绿”+一首“蓝”+四首“红”,共七首乐曲!这就是复合式的练琴方法彰显出的“神奇功效”。假设我们将训练时间再拉长一倍,共六周的时间,效果又会如何呢?—可以同时学四首“绿”+两首“蓝”+八首“红”,共十四首乐曲!而如果还在用最原始一首一首学习的方法,此时你才刚刚学完前面那三首呢!我想关于这个话题的谜底应该很是清晰了。

可是此时可能你又会问:“我知道如果根据计划完美执行可以练更多曲子,可是计划永远赶不上变化,有些曲子真正练起来比我预估的时间要长,这个效率问题还是无法真正解决呀!” 如果有这样的疑问,请你准备好纸和笔,接下来的“锦囊妙招”需要你科学地做下记载。我用A、B、C表现三首差别的曲子,用数字表现三首曲子的差别段落。如果我们根据顺序天天一段一段地按顺序训练,每段花十分钟,那么三首练下来需要花一百分钟,我称这种最原始的方法为“1.0版本”。

可是奏琴的人都知道,任何一首曲子都有相对难易的段落,我们要先抽出难点段落训练。下图中我用加粗的大写字母表现难点段落,那么效果将是先练A2、B3、B5、C2再练其他的。这样的练琴效果是获得了提升,可是练琴时长依然稳定,我称这种方法为“2.0版本”。

接下来,我们通过仔细分析,再将段落按难易离开,用小写字母表现相对简朴的段落。有些简朴段落,一旦练好了是不需要天天训练的,可能只需要三天练一次;而有些中等难度的则需要两天练一次。

而且,我们的练琴顺序并纷歧定要根据A、B、C的牢固模式,还可以将其打乱,难易联合,或者主攻难点段落,甚至通过一段时间训练举行频频复评和调整。于是就会泛起最后一列的练琴计划,我称它为“3.0版本”。我衷心希望,读到这里的你可以实验着根据这样的计划练琴,而且,通过你的实践告诉我“3.0版本”比起你以前的练琴方法节约了几多时间。

四、冥 想正如前文所述,我们生活在一个网状世界里,总是需要同时处置惩罚许多事情,而这种技术却往往让我们无法专心。越想静下心来练琴却越无法专注。不用担忧,我也有过同样的苦恼。

为相识决这个问题,我咨询了种种专家,最后找到了一个很是好的“解药”,那就是需要定期“刷新”自己的大脑,让它稍微放空才可以继续事情。而这个刷新、放空的历程就是—冥想。冥想实际上是教大脑如何专注于做一件事,然后耐心地把你的注意力从飘在外面的思绪中拉回来。

你可以循序渐进地训练自己,从很短的5分钟开始,然后再逐步延长至20到30分钟,甚至进阶到几个小时。冥想的历程中要专注的事情是你的一呼一吸。从我小我私家的层面来说,我已经训练冥想有好几年了,虽然我不需要天天去做,可是在我忙碌的时候,尤其当我被多重任务困绕的时候,我会天天冥想10至20分钟,而且现在另有许多软件有录音可以辅助训练。

坚持几周,你会发现自己会变得更容易专注,而这个方法会对高效练琴起到“神助攻”的作用。我想以上的袖中神算应该至少可以抹去一点儿你心中的问号了。固然,世上从来没有一种练琴方法是唯一而且适用于所有人的。差别的人会凭据自己差别的情况、差别的实践得出差别的履历。

真正的高效在于不停思辨、分析、调整,最终才气找到一个最适合自己的。犹如琳琅满目的鞋子,只有你自己知道哪双最合脚,哪双才气让你健步如飞,奔跑在音乐的康庄大道上。


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